The international landscape of musicological journals enjoys a welcome addition with the first issue of this publication. In her acute editorial, Anri Herbst, senior lecturer and head of music education at the University of Cape Town, and editor of the JMAA, points to the motivations and goals for launching a new journal, beginning with the journal’s name: ‘[…] the perceptive reader will notice the use of the preposition ‘in’ […] an attempt to locate living, 21^st-Century Africa within the context of the past and present, as opposed to the exotic, museum-piece Africa of (usually) outsiders, who lack intimate socio-cultural contact with the continent. The use of ‘in’ is an attempt to express the ‘Africanness’ of this journal […] taking into consideration that not all aspects of humanity can be expressed successfully solely through the written word, thus acknowledging the necessary tension between oral and written accounts of life […]’ (p. xi).

In Herbst’s words, ‘JMAA aims to capture the nature of performance in a written genre, merging oral and written literacy in interdisciplinary research. Scholars are challenged to develop new styles of data presentation that will simulate the musical arts that echo life and educate about life. It is a journal whose philosophy is embedded in the integrated nature of performance practices; a journal that addresses issues of education implicitly rather than explicitly’ (p. xii). From this general lines comes some peculiarity, like the choice of  ‘giving a voice to budding scholars […] who are given the opportunity to articulate their distinctly Southern African research findings’ (p. xiii); or the presence of an article very unusual as far as structure is concerned: it is a ‘narrative with ‘interlocking’ commentaries by four scholars, true to the structure of several styles of African music composition’, that results in ‘merging of an oral genre with written Western scholarship’ (p. xii). Finally, Herbst is justly proud in pointing out that ‘Unique to this journal is the commissioned research project, an intended regular feature’ (p. xiii).

Hopefully, the amount of space devoted to the editorial will not appear like a reviewer’s oddity: this is not only a new journal (what would make the first editorial very important anyway), but also a publication with very imaginative contents.

The wide scope of subjects that characterizes the main section (“Articles”) of this first issue is a kind of manifesto in itself: the reader finds essays on the psychology of piano sight-reading (Ella Fourie. ‘The processing of music notation: some implications for piano sight-reading.’), on some pieces written by one of the major South African composers (John Hinch. ‘Stefans Grové: winds of change.’), on a new synthesis between genetics, embryology and music (Susan H. Kidson. ‘The orchestration of life, Part 1: the music of the genes.’), on history and cultures of the African continent (Meki Nzewi. ‘The Avu of Alafrika: a narrative on an encounter with musical arts knowledge.’), and on creativity and its moral, cultural and educational significance inside a specific social group (Christian Onyeji. ‘Igbo rural women in Africa as creative personalities: musical processing of socio-economic solidarity.’). The second and the fifth of these essays concern traditional musicological topics, even if the presence of these topics side by side on the same journal is definitely less traditional. Both the essays are well conceived and realized, even if the analysis of Grové’s didactic compositions for wind instruments does not go beyond the foreground.

Ella Fourie’s very interesting article deals with a less customary subject, even if during last decades the research on psycho-physiological aspects of music making has been substantially broadened, as it is shown by the rich bibliography – more than forty books and articles – provided by the author, who is professor of piano and piano didactics at the University of Pretoria. Besides a restatement of the present situation of the research in this field, that emphasizes the great complexity of piano sight-reading[1], Fourie shows how this kind of ability could be learnt and taught, and gives proposals and suggestions to stimulate ‘the development of teaching and learning strategies that can improve the acquisition of sight-reading skills’ (p. 17).

Wholly original are the other two essays of this section. Susan H. Kidson, who teaches biology at the University of Cape Town, but also has a musical and musicological background, points out two aims of her article: ‘to take the musically-inclined reader on an embryological journey, using musical idiom and terminology to explain what is that scientists find in the dark corners of their labs […]’ (p. 44) and ‘to provide the foundation for ideas on how the codes written in DNA could be used in musical education’ (p. 45). Apart from the scientific information, that results obviously interesting for a reader not very well acquainted with molecular biology – even more so in our time, when DNA and stem cells are topics of almost everyday conversations ranging from science to ethics and politics – sometimes the parallel with music seems a little bit forced, for instance when sequences that instruct the cells to read the genes is compared to the conductor’s activity. It will be intriguing nonetheless, I believe, to see what kind of developments – the title of the article says ‘Part 1’ – will rise from this base.

Meki Nzewi’s narrative is even more unique, and for different reasons deserves a wider investigation. I have already mentioned the general plan: a narrative between history, mith and allegory, with interlocking commentaries by four scholars of different fields (African history and philosophy, ethnomusicology, and musical arts education). The Igbo word Avu ‘means a narrative about events in people’s life and history recounted in a dramatic singing mode’ (p. 55). The tale starts with a sort of history of African colonization by European and North American countries; the following excerpt will give an idea of the tone: ‘The Cold Regionites then set out to systematically uproot the original minds, spiritual disposition and creative uniqueness of all the Alafrikans who welcomed them with fellow-human love’ (p. 58). A Reconciliation Palaver on musical arts follows, summoned by ‘Oma Alafrika, the mother of all human beings’, who acts also as the ‘neutral Convenor and Chairperson’ (p. 61). Representatives of colonizers and of original Africans attend the palaver. To sum up the points of the palaver – it is actually a kind of monologue of the ‘neutral Convenor’ – is Oma Alafrika herself. Quaintly enough, after that the worst possible things have been said about all the cultures but the African, conclusions are more than conciliatory: ‘World peoples and cultures should come together more and more in mutually supportive encounters’ (p. 70); ‘[…] I wish to reiterate that Encounter is desirable’ (p. 71).

Beyond the interest for this peculiar form of ‘essay’ – I feel the need to use quotation marks – and the unquestionable fascination of the narrative, some doubts remain about the sincerity of the conclusions in the light of the narrative itself. Two examples. When the narrator deals with the introduction of Western[2] music in Alafrika, he asserts that ‘the concepts and practices of the musical arts of the Cold and Alamerikan Regions are spiritually impoverished, being concerned primarily with abstracted entertainment objectives’ (p. 61). The patent groundlessness of this statement and of its explanation[3] could be ascribed only to a poor knowledge of the history of Western music (not easy to assume for a respected scholar like the author of the article); or to an intentionally polemic intent. The adjective ‘polemic’ becomes largely inadequate for the second example I have chosen, that seemingly does not need any comment: ‘The Religious Conquerors of the Cold Region set out to subtly subvert as well as exploit the deep religious nature of Alafrikan people. […] They had a genius for brainwashing and mentally enslaving converts, preaching elusive love and vague salvation, while blatantly promoting inter-group hatred and conflicts among Alafrikan peoples. Token acts of kindliness were selectively dispensed to gain an advantage in executing the Religious Conquerors’ covert scheme of spiritual subversion […]’ (p. 57).

Of course, anyone is entitled to have her or his own opinions and certitudes, and is free to express them publicly in the way she or he considers more appropriate. But it seems very difficult to conciliate the general attitude expressed in the narrative with the final wishes for a dialogue, not only artistic, between different cultures; wishes that sound mainly as the inescapable tribute to the ‘politically correct’ philosophy.

The second section of the journal (‘Young researchers’ voices’) presents four articles, preceded by a presentation by Elsabé Kloppers, who is member of the Travelling Institute for Music Research (TIMR) at the National Research Foundation. Kloppers explains that two of these essays are the result of a competition for undergraduated and honours students, launched by TIMR in 2004, and underlines the importance of this initiative for a newly born journal: JMAA ‘intends to host this competition annually in order to develop writing skills and to stimulate the research capacity of the next generation of music scholars’ (p. 102).

Both the two essays in this first issue are remarkable. Competition winner Nicol Hammond presents the results of an investigation about identity and choral singing ('Singing South Africanness: the construction of identity among South African youth choirs.’). After noticing how the story of conflicts and discriminations that has characterized South Africa had made the building of a shared cultural heritage very difficult, Hammond comes to the conclusion that ‘Choral music […]is an effective site for the construction and performance of this new heritage’ (p. 107).

Competition runner-up Thokozani Mhlambi has also had the honour of publication on JMAA. In ‘‘Kwaitofabulous’: The study of a South African urban genre.’ Mhlambi sketches a historic profile of this genre, from the very first kwaito song in 1995 to the recent developments, and shows that besides undeniable influences, particularly North American (especially hip-hop), there are some characters that make kwaito ‘an authentic South African phenomenon’ (p. 125).

The socio-cultural identity is the subject also of the third articles in this section (Mary Robertson. ‘‘Imagining ourselves’: South African music as a vehicle for negotiating white South African identity.’), that starts from the term ‘imagined community’, first used by Benedict Anderson in an essay on nationalism. After examining ‘some recent theoretical approaches to identity and how they inform the role of music’, the article presents a ‘case study drawn from 16 interviews’ (p. 128), to come to the conclusion that ‘music may serve multiple roles in the formation and articulation of identity’ (p. 137), a very complex process in the post-Apartheid South Africa. The last article in the young researchers’ section (Sazi Dlamini. ‘The role of the umrhubhe bow as transmitter of cultural knowledge among the amaXhosa: An interview with Latozi ‘Madosini’ Mpahleni’) was commissioned by JMAA. An excellent ethnomusicological essay, made by an introduction and a commentary to the interview – it appears in original language with English translation at the end of the article – to a well-known Xhosa musician; it deals not only with her own performance style, but also with the ‘day-to-day social performance practice of Xhosa teenagers in the early part of the twentieth century’ (p. 138).   

In the closing part of the volume, after two deep-felt tributes to the late Professor Robert Mawuena Kwami, the world-respected African scholar, director of the Centre for Intercultural Music at the University of London, who passed away on 15 March 2004, the reader finds a rich section of reviews. I like to emphasize mostly the segment devoted to new compositions – in this case, Special for Piano by Andile W. Khumalo (2004) – and the reviews of CDs and movies, subjects unusual on a scholarly journal, but especially important considering the general lines and the aims of JMAA.

Two final, strictly practical observations. The short but pregnant abstracts that precedes every articles are a valuable editorial choice; on the contrary, I have some reserve on the font size, that requires a not negligible effort also to people who do not normally use glasses to read, and even more so for the sections (the palaver in Nzewi’s narrative, or the interview to Latozi Mpahleni) where the font size is smaller. To sum up, a very good start for this new journal, that promises to play an important role on the international scene.  

Il panorama internazionale delle riviste specialistiche dedicate ad argomenti musicali si arricchisce – l’espressione è quanto mai adeguata, data la qualità del volume in oggetto – di una nuova pubblicazione nata dalla collaborazione tra l’Università di Città del Capo e l’Università di Pretoria. Nel suo acuto quanto succinto editoriale, Anri Herbst, senior lecturer e direttore del dipartimento di music education all’Università di Citta del Capo, nonché editor del JMAA, spiega le motivazioni e gli obiettivi che hanno portato alla nascita di questa rivista, fin dalla scelta del titolo: “[..] il lettore attento noterà l’impiego della preposizione ‘in’ [...] un tentativo di collocare la vivente Africa del ventunesimo secolo nel contesto del passato e del presente, in contrapposizione a quell’Africa esotica, sorta di pezzo da museo tipica (normalmente) degli osservatori esterni, cui manca un intimo contatto socio-culturale con il continente […]”[1]. Caratteristico della rivista è il “tentativo di esprimere la [sua] ‘Africanità’ […] tenendo in considerazione il fatto che non tutti gli aspetti della vita umana possono essere efficacemente espressi attraverso l’impiego della sola parola scritta, riconoscendo in tal modo la necessaria dialettica tra spiegazioni della vita scritte e orali”[2].

L’intenzione del JMAA, prosegue Herbst, è di “catturare la natura del momento performativo in un genere scritto, fondendo capacità orale e scritta nella ricerca interdisciplinare. Gli studiosi sono stimolati a sviluppare nuovi stili di presentazione dei loro risultati, stili modellati sulle arti musicali che rappresentano un’eco della vita e un insegnamento riguardo ad essa. È una rivista la cui filosofia è immersa nella natura integrata delle prassi esecutive; una rivista che si occupa di argomenti formativi più implicitamente che esplicitamente.”[3] Da questa impostazione derivano alcune peculiarità, quali la scelta di “dar voce a giovani studiosi emergenti […] cui viene data l’opportunità di articolare i risultati delle loro ricerche specificamente Sudafricane”[4], o la presenza di un articolo dalla struttura del tutto insolita: si tratta infatti di una “narrazione alla quale sono intrecciati commenti di quattro studiosi, vicina alla struttura di molti stili Africani di composizione musicale”, che dà vita alla “fusione di un genere di tradizione orale con la musicologia scritta occidentale.”[5] Infine, la studiosa segnala con legittimo orgoglio che “Caratteristica unica di questa rivista è il progetto di ricerca su commissione”[6], un elemento che anche in futuro farà parte della normale fisionomia della rivista.

Spero che l’ampio spazio dedicato ai contenuti dell’editoriale non sembri una stranezza del recensore: si tratta infatti non solo di una nuova rivista, fatto che renderebbe già di particolare interesse le dichiarazioni di intenti, ma anche di una pubblicazione dai contenuti decisamente originali dal punto di vista programmatico.

L’estrema varietà di soggetti che caratterizza la sezione principale (“Articles”) di questo primo numero è a sua volta una sorta di ulteriore manifesto programmatico: troviamo infatti, nell’ordine, saggi sulla psicofisiologia della lettura pianistica a prima vista (Ella Fourie, The processing of music notation: some implications for piano sight-reading), sull’analisi tecnico-stilistica di alcuni pezzi di uno dei più noti compositori Sudafricani (John Hinch, Stefans Grové: winds of change), sui rapporti fra genetica, embriologia e musica (Susan H. Kidson, The orchestration of life, Part 1: the music of the genes), su storia e culture del continente africano (Meki Nzewi, The Avu of Alafrika: a narrative on an encounter with musical arts knowledge) e sulla creatività e i suoi risvolti morali ed educativi all’interno di uno specifico gruppo sociale (Christian Onyeji, Igbo rural women in Africa as creative personalities: musical processing of socio-economic solidarity). Come si vede, il secondo e l’ultimo di questi saggi si riallacciano a filoni tradizionali della musicologia (ma meno consueta è la loro presenza in una stessa rivista); entrambi sono ben realizzati, anche se l’esame di alcune composizioni didattiche per strumenti a fiato di Grové si ferma il più delle volte alla descrizione del livello di superficie, senza addentrarsi in considerazioni analitiche più approfondite.

L’interessantissimo saggio di Ella Fourie tratta un argomento certamente meno ordinario, anche se negli ultimi anni la ricerca sugli aspetti psicofisiologici del far musica si è considerevolmente allargata, come dimostra l’ampia bibliografia – oltre quaranta fra libri e articoli – fornita dall’autrice, che è professore di pianoforte e didattica pianistica all’Università di Pretoria. Oltre a fare il punto sullo stato attuale della ricerca in questo settore, e a sottolineare l’enorme complessità della lettura a prima vista[7], la studiosa dimostra come questo genere di abilità possa essere insegnata ed appresa e offre proposte e suggerimenti atti a stimolare “lo sviluppo di strategie di insegnamento e di apprendimento che possono migliorare l’acquisizione di capacità di lettura a prima vista”[8].

Del tutto originali sono invece gli altri due saggi. Susan H. Kidson, che insegna biologia all’Università di Città del Capo, ma che ha anche una formazione musicale e musicologica, indica per il suo articolo due scopi: “condurre il lettore interessato alla musica in un viaggio embriologico, usando un idioma e una terminologia musicali per spiegare ciò che gli scienziati trovano negli angoli oscuri dei loro laboratori”[9]; e “stabilire i principi di base per idee sul modo in cui i codici scritti nel DNA possono essere usati nell’educazione musicale”. A parte la componente informativa sul piano scientifico, che risulta ovviamente interessante per un lettore non addentro alla biologia molecolare (tanto più interessante in un’epoca in cui DNA e cellule staminali sono al centro di pressoché quotidiane discussioni oscillanti fra la scienza, l’etica e la politica), il parallelo con la musica pare a volte un po’ forzato, come quando la lettura delle istruzioni fornite dalle sequenze genetiche alle cellule viene paragonata all’attività del direttore d’orchestra. Sarà comunque interessante, credo, vedere a quali sviluppi – si noti l’indicazione “Parte I” nel titolo –  porterà questa impostazione.

Il racconto di Meki Nzewi si colloca su di un piano ancor più singolare e per molte ragioni merita una disamina più ampia. Si è già accennato precedentemente all’impianto generale: una narrazione fra storia, mito e allegoria, cui si intrecciano commenti da parte di quattro studiosi di diversi campi del sapere (storia e filosofia africana, etnomusicologia ed educazione alle arti musicali). Il termine Igbo Avu indica l’esposizione di eventi della vita e della storia di un popolo attraverso una particolare forma di canto. La narrazione si apre con una sorta di storia della colonizzazione dell’Africa da parte delle nazioni dell’Europa e dell’America; per dare un’idea del tono generale, basterà questo frammento: “Gli abitanti delle Regioni Fredde[10] intrapresero poi una sistematica opera di sradicamento dell’originale forma mentale, disposizione spirituale e unicità creativa di tutti gli Alafricani che li avevano accolti con il loro amore fraterno.”[11] A questo racconto segue una specie di dibattito sull’arte musicale tra i “colonizzatori” e gli Africani “originali”, moderato e guidato da Oma Alafrika, la madre universale di tutti i viventi. A tirare le somme del dibattito – in realtà, fondamentalmente si tratta di un monologo della ‘moderatrice’ – è la stessa Oma Alafrika. Curiosamente, dopo che delle culture diverse da quella africana è stato detto tutto il male possibile, le conclusioni sono più che concilianti: “I popoli e le culture del mondo dovrebbe riunirsi sempre di più in incontri che portino beneficio a tutti.”; “[…] vorrei ribadire che l’Incontro è desiderabile.”[12]

Al di là dell’interesse per questa originalissima forma di “saggio” – mi sento obbligato a usare le virgolette – e del fascino indiscutibile della narrazione, restano alcuni dubbi sulla sincerità delle conclusioni alla luce di quanto scaturisce dalla narrazione stessa. Due esempi. Quando il narratore tratta dell’introduzione della musica ‘occidentale’[13] in Alafrika, egli afferma che “i concetti e le pratiche delle arti musicali nelle Regioni Fredde e in Alamerika sono spiritualmente impoveriti, essendo legati principalmente a obiettivi di astratto intrattenimento.”[14] L’evidente infondatezza dell’asserzione e della relativa giustificazione[15] può essere attribuita soltanto a una scarsa conoscenza della storia della musica occidentale (difficile da ipotizzare per un apprezzato docente universitario quale l’autore dell’articolo), oppure a un deliberato intento polemico. E l’aggettivo “polemico” diventa largamente insufficiente nel secondo esempio, che mi sembra non abbia bisogno di commenti: “I Conquistatori Religiosi delle Regioni Fredde iniziarono a sovvertire e ad approfittare della natura profondamente religiosa della gente Alafricana. […] Essi avevano un particolare talento per il lavaggio del cervello e la schiavizzazione mentale dei convertiti, predicando un ambiguo amore e una vaga salvezza, ma incoraggiando invece vistosamente l’odio fra i diversi gruppi e i conflitti fra i popoli Alafricani. Simbolici atti di gentilezza vennero selettivamente dispensati per ottenere un vantaggio nell’esecuzione del loro malcelato progetto di sconvolgimento spirituale […]”.[16] Ovviamente, ognuno è libero di avere opinioni e certezze, di esprimere giudizi storici ed etici, e di presentarli pubblicamente nel modo che ritiene più opportuno. Sembra però difficile conciliare l’atteggiamento generale che viene espresso nell’articolo con i conclusivi auspici di dialogo, artistico e no, fra civiltà diverse, auspici che suonano più che altro come l’ormai immancabile omaggio alla filosofia del “politically correct”.

La seconda sezione della rivista è quella, cui faceva riferimento l’editoriale, dedicata ai giovani studiosi (“Young researchers’ voices”) e contiene quattro articoli, preceduti da una breve presentazione di Elsabé Kloppers, membro del Travelling Institute for Music Research (TIMR) presso la National Research Foundation in Sudafrica. La studiosa spiega come due dei saggi presentati in questa sezione siano il risultato di un concorso destinato a “undergraduated and honours students” indetto dallo stesso TIMR nel 2004 e sottolinea l’importanza di questa iniziativa nella nascita di una nuova rivista specializzata: il JMAA ospiterà infatti ogni anno questo concorso, che mira “a sviluppare l’abilità di scrivere e a stimolare le capacità di ricerca della prossima generazione di studiosi”[17]. In questo primo volume, i saggi provenienti dal concorso sono due, ed entrambi di buon livello. Nicol Hammond, la vincitrice del concorso, presenta i risultati di una sua indagine sulla costruzione di un’identità sudafricana attraverso il canto corale (Singing South Africanness: the construction of identity among South African youth choirs); dopo aver rilevato come la storia di conflitti e discriminazioni che ha caratterizzato il Sudafrica abbia reso difficile la costruzione di un’eredità culturale condivisa, la studiosa giunge alla conclusione che la musica corale “è un efficace luogo per la costruzione e la rappresentazione di questa nuova eredità”[18]. Anche il secondo classificato nel concorso, Thokozani Mhlambi, ha avuto l’onore della pubblicazione sul JMAA: ‘Kwaitofabulous’: The study of a South African urban genre è uno studio che si occupa di una delle più caratteristiche forme di urban music in Sudafrica, il kwaito, del quale l’autore traccia un profilo storico, dal primo song nel 1995 fino al 2004, per individuare poi, accanto agli indubbi influssi, soprattutto Nordamericani (e specialmente hip-hop), i caratteri che ne fanno a suo giudizio “un fenomeno autenticamente sudafricano”[19].

L’identità socio-culturale è il soggetto anche del terzo saggio di questa sezione (Mary Robertson, ‘Imagining ourselves’: South African music as a vehicle for negotiating white South African identity), che parte dal concetto di “comunità immaginata”, formulato da Benedict Anderson in un suo saggio sul nazionalismo, e attraverso un’indagine che si basa anche su di una serie di interviste sottolinea che “la musica può svolgere multipli ruoli nella formazione e nell’articolazione di identità”[20], in questo caso di un’identità problematica come quella dei giovani bianchi nel Sudafrica del dopo-Apartheid. La sezione è chiusa dal saggio frutto di una specifica commissione da parte del JMAA (Sazi Dlamini, The role of the umrhubhe bow as transmitter of cultural knowledge among the amaXhosa: An interview with Latozi ‘Madosini’ Mpahleni): uno splendido esempio di saggio etnomusicologico, costituito da un’introduzione-commento all’intervista a una celebre musicista e cantastorie dell’Africa sub-sahariana – l’intervista è pubblicata per esteso –  riguardo al suo stile esecutivo e all’impiego del suo strumento (un tipo particolare di arco musicale) da parte degli adolescenti Xhosa nella prima parte del ventesimo secolo.

Nell’ultima parte del volume, dopo due commossi articoli commemorativi dedicati a Robert Mawuena Kwami, il grande musicologo africano, direttore del Centre for Intercultural Music dell’Università di Londra, scomparso il 15 aprile 2004, troviamo la ricca pagina delle recensioni. Mi preme sottolineare soprattutto le recensioni dedicate a nuove composizioni – in questo caso, Special for Piano di Andile W. Khumalo (2004) – e quelle che si occupano di CD e film, argomenti non comuni in una rivista musicologica, ma particolarmente importanti considerando il taglio e gli obiettivi del JMAA.

Due osservazioni finali di carattere pratico. Apprezzabilissima mi è sembrata la scelta di premettere a ogni articolo un breve ma denso abstract; qualche riserva invece sulle piccole dimensioni del font scelto per l’intera rivista, che obbliga a qualche sforzo nella lettura anche chi non necessita di occhiali, a maggior ragione in quelle sezioni (il dibattito nel saggio di Meki Nzewi, o la trascrizione dell’intervista a Latozi Mpahleni) nelle quali le dimensioni sono ancor più ridotte, forse per esigenze tipografiche. Concludendo, un esordio felicissimo per questa nuova rivista, che promette di occupare un ruolo tutt’altro che secondario nel panorama musicologico internazionale.